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粤网文[8号全球最火电影、动漫、游戏如何来？主创大神登临新文创大会全解密
文/腾讯科技 卜祥 孙宏超4月22日，一年一度UP大会如约而至。不同的是，今年大会全新升级成新文创生态大会。踮脚远望5G时代，带宽限制将消失，内容产业洪流即将澎湃而至，更大量级需求竞相释放，数字时代新娱乐宏伟图景已展开，新梦想已经触手可及。而作为内容创作者，在技术光影快速变迁之际，艺术之心、初心和匠心如何打磨，个体与外界如何对话，灵感的火花与物质与精神价值创造如何互相拥抱？无形无影之中，似乎无规律可寻，又似乎总有回响。从早先提出“泛娱乐”，至不久前全国两会上，全国人大代表、腾讯创始人马化腾专门提出议案，希望以推进科技+文化融合创新为契机，打造中国特色文化IP，建设产业发达、文化繁荣、价值广泛的数字文化中国。腾讯所做的，是拥抱变化，一直努力搭平台、聚生态，希望蕴育、培养和呈现出一批具有感染力的中国文化IP。当我们看到越来越多的老年人活跃在微信的朋友圈和全民K歌里，当我们看到云贵高原上的少数民族正在通过互联网记录和分享他们的传统民族音乐，当偏远地区的人们也能通过智能手机享受各种数字文化产品的时候。腾讯集团副总裁程武判断，“数字文化接下来的发展可能会进入一个非常具有想象力的阶段，”内容产业必须更好地提升用户体验、实现自身起承转合和升级换代，主动进入新文创时代，核心是把内容升级到体验，不仅要有好的内容，同时还要有受到大众欢迎的形式。腾讯集团副总裁程武但是，任何变革都将只能从过去孕育、从脚下开启，立足脚下、放眼全球，最近20年各种文化娱乐爆款产品背后，有着怎么样的经历和过程，创作出这些流行文化产品的“大神”又有何种神通？此次腾讯新文创生态大会请来电影、电视剧、动漫、游戏和歌词等重量级嘉宾演讲，下面是精华，分为四大板块，分别是跨领域共生、极品创意呈现、打造时代故事和文化传承——板块一：跨领域共生1，《纸牌屋》作者Michael Dobbs《纸牌屋》作者Michael Dobbs核心观点：英国BBC《纸牌屋》播放模式主要通过传统过时方式来进行的，比如说四集，每一集在每一周特定时间段播放，比如周日晚上9点。错过这个时段，必须通过DVD或者其它方式录下来。美国Netflix公司改变了整个观影方式，所有愿意看电视和电影的人，应该通过点击鼠标就可以决定任何时候、任何地方，甚至在我们手机平台上看视频内容。文化多元性，可以帮助我们更加接受彼此身份，成为一种有机组合，我们可以通过娱乐产业来进一步构筑彼此友谊和经历。演讲摘要：我在英国不仅仅是作家，也是上议院一位政客。30年前，我是撒切尔夫人的幕僚长，一起合作很久。1979年选举那天晚上，我是第一个告诉撒切尔夫人她当选的人。放弃幕僚长工作之后，我来到了地中海一个岛，坐在一个大遮阳伞下面，在一个游泳池旁边开始我的写作历程。这本书的名字叫作《纸牌屋》。最早，英国BBC已经播放了《纸牌屋》这本书，已经非常成功，广受赞誉。开篇题目是“事无定势”。但是令我震惊之处在于偶然，电视剧播放那一周，撒切尔夫人不再是首相了，这是非常偶然一件事情，但是对于《纸牌屋》书和电视剧火热产生了一些作用。《纸牌屋》成为BBC在全球最畅销的电视剧作品。十多年来一直是这样，大概十年前美国Netflix公司给我打电话，希望重拍《纸牌屋》，希望以白宫作为背景。接下来告诉大家一个秘密，当时我从来没有听说过Netflix公司名字。之后我就做了一些研究，我发现它是卖DVD，还有租DVD为生的公司。我知道，DVD租赁产业整个生命周期很短，已经走到它生命尽头，Netflix公司认识到这一点，有一些新发展战略，发展方向是娱乐产业，专注于使用数字平台，进一步传播电视内容，不是把DVD作为产品写在信封里有邮寄给其他需要的人。这个公司还做分销和广播纪录片和电视片，利润不是特别丰厚。Netflix公司决定创作自己的内容，生产自己的作品，《纸牌屋》就是当时Netflix公司自己来创作的第一个产品，当时下了很多赌注，很多媒体报道Netflix在前两季当中就投资了一亿美金。他们不仅仅创作了自己的内容，还进一步变革了人们观影方式。英国BBC《纸牌屋》播放模式主要通过传统过时方式来进行的，比如说四集，每一集在每一周特定时间段播放，比如周日晚上9点。错过这个时段，必须通过DVD或者其它方式录下来。美国Netflix公司改变了整个观影方式，所有愿意看电视和电影的人，应该通过点击鼠标就可以决定任何时候、任何地方，甚至在我们手机平台上看视频内容。之后，亚马逊公司追随了这一个脚步，就连苹果公司也进入到游戏产业。传统的广播服务需要赶上这一波变革浪潮，我们现在比过去更容易能够在屏幕上来看各种娱乐节目，新的技术也给人们新生活注入了新活力，同时也给整个电视产业带来更多灵活度。Netflix公司就是一个很好的晴雨表，它在速度上，在整体变革上成功都值得借鉴。Netflix是20年前成立一家公司，15年前的2002年，股票每股15美金。5年前，2012年，在全美大约有2900万注册用户。2012年Netflix公司开始制作内容产品，从《纸牌屋》开始，今天它整个注册用户已经超过190多个国家的1.2亿用户，股价也是一股300美金，整个公司估值大约在1400亿美金。现在，消费者要求高质量内容，愿意为高质量内容买单，这就是现阶段的情况。广播公司不仅仅在价格上有很激烈的竞争，在整个内容制作质量上也在竞争。新兴产业并没有破坏传统创意产业的发展，这些传统产业继续繁荣发展，比如电影产业，全球电影票房销售预计两年的时间里，从现在400亿美金进一步上升到500亿美金，印度、中国以及美国，每年销售的电影票数量大约20亿-30亿左右，对于演员、导演、作家、视频编辑、摄影编辑者和舞台设计者，我们正处在娱乐产业的黄金时代。在英国，我在农村生活，旁边都是田地和奶牛，通过点击鼠标，我就能看到来自丹麦、法国、意大利、比利时和德国各种剧目。我们通过彼此更多的分享来更好地接受彼此。文化多元性，可以帮助我们更加接受彼此身份，成为一种有机组合，我们可以通过娱乐产业来进一步构筑彼此友谊和经历。《纸牌屋》是我人生当中一个最大探险，第六季也就是最后一季《纸牌屋》也即将面世。2，视觉艺术大师叶锦添核心观点：在《夜宴》里边，莎士比亚跟中国的美学融合在一起，我找到所有文化的源头在于节奏，抓住所有的节奏，会产生对一些形象的理解。那个时候我把两者融在一起，制造了《夜宴》。此后，越来越能把握写实跟虚幻中间的区别。演讲摘要：拍摄《英雄本色》的时候我还在念书，经过徐克的介绍我去了吴宇森的剧组。在吴宇森和周润发身上，我学到电影不仅是工作，也是友情和同甘共苦。我们一起拍戏，下班一起去大排挡，大牌跟工作人员没有分别，我在电影里付出精神就一直延续下来。后来，经历了《胭脂扣》、《阿婴》和《秋月》，后来我有机会合作了《诱僧》。导演关锦鹏找到我，帮他建立30年代质感，做了一些服装，那里一些细节一直在我脑海里面很难落实。我发觉电影可能是一辈子要做的事情，浓缩了时间，这件事情非常吸引我。有7年时间，我不敢碰舞台，只敢碰服装设计，那时研究古典舞、昆剧和京剧，研究非常多现代舞。在《诱僧》里，我看着演员陈冲，研究怎么做她的造型，怎么样把她带到平常不能达到的空间里面。所有东西经过转化之后，它变成一种电影语言空间，我发现身体语言非常重要。后来接《卧虎藏龙》的时候，大胆把清朝颜色去掉，留下宋朝的温雅空间，等于是山水画的感觉。1996年我受邀请去奥地利做了一个歌剧，那是的我一个很大转折点，我以前在香港的时候一直观看很多西方国家东西。那个时候第一个去欧洲做设计，歌剧也是我第一个去。他们完全不知道中国是什么，我把中国很多东西与作品融合在一起，呈现给他们，得到了他们认同。回来之后有机会做昆曲《长生殿》，我开始在传统意义上，把昆曲跟京剧分开来，昆曲的音乐点是不一样的，它是水墨的，京剧是锣鼓点，昆曲很多时候是在锣鼓点，衣服我想在里面找到非常柔软、非常浪漫的做法。做昆曲，手工会更精细，不是非常亮的颜色。我很喜欢莎士比亚，莎士比亚是世界文化的一部分，所有文化可以参与到他的作品，因为莎士比亚讲的是人性，他不是讲国家、民族，所有东西都是外在的，他真正讲的是人性。人性有一个好处，什么年代都能讲它，什么年代都能谈他。日本有莎士比亚、俄罗斯有莎士比亚，美国、欧洲等等都有莎士比亚，为什么？因为讲的是人性，非常复杂的东西在里面，非常多中国的符号，非常多人情世故、非常多的美学在里面。我觉得中国古代的东西，那个无形力量是很吓人，因为无形就包括有形，它里面有很多东西可以经过一种拆解而重组，随时可以组成新东西。3，动漫企业（角川社）代表井上伸一郎核心观点：在培育内容方面所看重三大方针，对作家的爱，对作品的爱，和对支持作品和作者粉丝的爱。演讲摘要：我们在培育内容方面看重三大方针，对作家的爱，对作品的爱，和对支持作品和作者粉丝的爱。2004年底的时候，我们听说细田导演离开东映动画，他是一个制作人，希望改编《穿越时空的少女》成动漫电影。细田导演在东映制作室在制作《数码宝贝》的时候，我就是他的粉丝了，所以毫不迟疑的就一起进行制作。在改编动画片的时候，我们向原作者筒井先生事先打好招呼，原作者表示同意。之后，完成分镜稿，拿着分镜稿去找筒井导演，希望得到他的确认和同意。我们问他这个分镜稿怎么样？筒井先生闭上眼睛，很厉声地说这个跟原作不同，当时我就傻了，是不是就拍不成了。后来筒井老师又睁开眼睛，尽管跟原作不同，不过这样也挺好，在这儿不要加戏了，当时心里想，确实这部作品得到了原作者认可。《穿越时空的少女》在国内外获得20多项奖，至今被粉丝所热爱。从我的角度，致力于明确细田先生的定位，不光定位影像作者，而且希望让他写小说，把它定位成原著作者。致力于保护导演权利，也是对作家爱的表现。比如，新海诚导演，作品有《秒速5厘米》，创作这个作品时开始写小说，为什么写小说呢？他的作品被粉丝称为治愈动画，非常受打击，为了颠覆这样一个形象，就开始写小说。这也是新海导演对粉丝一种爱，他希望这样一个作品不被误解，希望通过写小说来研磨自己创作剧情的能力和水平。2003年，他创作了《言叶之庭》，这是另外一部代表性作品。从《秒速5厘米》到《言叶之庭》，有非常大进步。在《言叶之庭》小说版里面，没有纯粹反派角色，在电影里面或许是这样的，在小说里面没有。也就是说，小说版是转换视角发觉背后截然不同的故事，这是小说所独有的创作方式。他希望向读者传达此信息。也就是说，这个作品没有单一视角看待事物的情况。在《你的名字》的名字里面，新海先生作品里面有这样一个瞬间，之前擦肩而过男女主人翁在此地相遇，今后还会有擦肩而过，但是在这一刻非常相知相爱，这部作品在中国也是非常有名，很多人都看过，也就是说，这样的瞬间是非常让人忘不掉的。不是以动画的方式来描绘角色的情感走向，而是把角色当做真实的人物来进行描写。把原作的粉丝受众划分年龄，把作品核心粉丝和大众粉丝放到目标矩阵里面来，我们制作动画，怎么把作品推广到原作没有吸引到的粉丝，以此为目标制作动画。在推广范围里面，目标人群有可能成为原作品的新粉丝，再通过游戏化、商品化等等，继续发展其它领域粉丝。这样，粉丝可以从原作品慢慢扩大到其它的领域。这个时候我们要非常注意不能够让对于原作粉丝的爱弱化。因为扩大矩阵的面，我们目的只是拓宽作品可能性，但是不能忽略粉丝对作品的爱，否则就是本末倒置。归根到底，我们只是说想把优秀的原作品，介绍给还没有领略到其魅力的其它粉丝。眼下，很多粉丝开始造访动画取景地，这是2007年播放的《幸运星》，《幸运星》取了现实的场景，再现在动画当中。这些所谓的圣地并不是非常热的景点，只是日常随处可见的场景，只是出现这部动画里面，对于粉丝而言成为特别具有特殊价值的地方。《幸运星》取景地的神社，参拜人数是往年7倍，如今动画播放已经过了十多年，这里仍然是受粉丝们青睐的圣地。为什么会出现这样非常热的圣地巡礼的现象？用细田导演的话来说，动画类型的一个作品，没有一定的依据和基础就很容易表现模糊。最后我想谈一下对于作品的爱这一基本概念，所谓IP的爱，也就是说编辑，还有制作人，对于作家的爱，对于作品的爱，还有对于支持作家和作品粉丝的爱，这是绝对不能够忘却的。《穿越时空的少女》已经超过50年了历史了，但是它仍然作为一部经典能够留存下来，通过我们不断地改编、传承发扬光大，可以留存给我们的子孙后代，这都是我们对于作家、作品和粉丝的爱，正是因为这份爱我今天才能站在这里。板块二：极品创意呈现4， 《英雄联盟》设计师：Greg Street（鬼蟹）：核心观点：我们的灵感可以来自于任何地方，有时，艺术家可能画了一个素描，我想说看一下我们是不是可以做这样的人物，有时候一个游戏设计师，可能想到从未有过新的技能，有可能是这个作家想到人物从来没有的性格、特点，并不是由某一类工作职能的人设计所有人物，而是我们灵感可以来自于任何人。演讲摘要：我做过《英雄联盟》设计师，想给大家介绍一下我们到底是怎样设计出这些人物的。《英雄联盟》有一些东方的元素，我用了AI技术把东方龙的形象展示出来。《英雄联盟》一共有160个角色，每次创造新的角色就发现，标准非常高，我们必须创造一些大家没有见过的因素进去。喜欢《英雄联盟》到底有哪些原因？在一个人玩的所有游戏中，都喜欢玩同一种人物，比如他喜欢玩能够回血的人物，会在任何游戏中都会玩这种。接着是人物拥有的技能，不同英雄用的技能是多种多样的，这也是玩家喜欢人物第一原因。另外是主题类的角色，比如英雄长相、人物故事和性格。个性也是非常重要的，有时玩家选择一个英雄原因很重要，可能长得像他自己，或者行为方式像他自己，在这里也能找到很多跟自己有相似之处的英雄，这非常有意思。《英雄联盟》中有很多非常棒的人物，也有一些人物表现一般。任何作品中，无论是电影、动漫，能创造好的人物，细节决定一切，让人们能感受到这种细节，有栩栩如生身临其境代入感。以下几点我们能够确定一个人物是不是成功因素，颜值比较高，技能很强大，或者看上去非常萌、很可爱。要打造一个成功的英雄角色，至少应该具备以上两个因素。我最喜欢的关于游戏设计的就是人物主题与玩家玩法需要相互补充。举一些例子，比如（永猎双子）千钰，它其实是两个角色的合体，包括了代表黑暗、死亡的狼灵和象征光明、重生的羊灵，在游戏里大多数的时候你看到的是光明的形象，由于羊的仁慈，所以它可以保护敌人和队友都免于死亡（即大招羊灵生息）。这是另外一个双角色的例子，但不同之处在于，我们做成了两个英雄，分别是（幻翎）洛和（逆羽）霞，他们是恋人关系，而且玩家可以选择任何一个，两人搭配会有很好的效果。本身我们是一个协助性环境，基于团队协作，打造一个矩阵架构团队。我们简称“DNA”，D代表设计（游戏策划），N代表写剧情作家，A表示美术师。我们总是亲密无间地共同工作。我们的角色灵感可以来自任何一个地方，而且不会一个人包揽角色所有内容的创作，而是共同协作的，比如美术师画了一个素描，问是否能做这样一个角色，游戏设计师可能想到一个之前没有出现国的新技能加进去，剧情作家想到了之前的人物所没有的性格特点。在我们创作英雄的时候，会开始讨论到底什么是最重要的。比如（荆棘之兴）婕拉，她是一株古老的植物，把意识转换到人类躯体之后获得了二次生命，但在释放技能的时候，仍然可以看到放出的藤蔓，我们团队成员之间会进行很多次的探讨和修改，直到最后达成共识。我们做视频游戏，与做电视节目小说不一样，我们会在内部做很多试玩，我们团队在开始的时候会改变很多方向。我们在正式推出这些人物之前，都需要做很多轮内部尝试，只有达到足够成功之后，才会把它真正推出市场。5，“吃鸡游戏”之父Brendan Greene：“吃鸡游戏”之父Brendan Greene核心观点：我希望创造出现实世界，希望能不断添加元素让整个游戏更加真实，必须创建一个平台，能够让整个游戏模式永远存在。演讲摘要：我经常会玩游戏，大学时玩了很多游戏，我只是业余游戏爱好者，做了摄影、设计工作。追溯过去，在玩游戏过程当中，它让我了解到不同内容。当时决定要创建自己的游戏时，我希望创建一种模式，在游戏中和我朋友一起玩。我在巴西那里住了6年左右，做过摄影师，偶尔做音乐DJ，摄影可以捕捉生活中的美好瞬间。我还给乐队做图片，也做其它一些图片设计的工作，这对于我做模组制作者是有帮助的，因为有时候我需要自己作图。在游戏里的有些瞬间也是很多玩家乐于谈论的，就像是人们看到某张照片就会记忆起当时的场景。从一个模组制作者到《绝地求生》创意总监的过程，这里面没有太多的技术成分，我没办法告诉你如何把最高同时在线做到300万以上，这不是我的专长。我在游戏行业的经历，实际上并不丰富，我甚至算不上一个爱好广泛的玩家，我第一次接触多人游戏是在大学，一款叫做《Delta Force：Black Hawk Down》的游戏，当时有很多社区创造的地图和模组，它还有真实的社区和挑战，有无数种创造模组的可能，我那时候投入了很多时间，这也是我喜欢游戏的原因。我记得当年从巴西回家乡（爱尔兰），玩《武装突袭2》的时候发现了《DayZ》模组，我清楚的记得我们军团登直升机转移的场景，我们非常紧张，因为其它的军团就在周围。《DayZ》满足了我对游戏自由度的要求，它只给了玩家一个游戏世界，让玩家自己在其中生存下去，没有限制规则，怎么玩都看玩家的决定，我非常喜欢这种玩法。《DayZ》有游戏的世界规则，可以展示很多游戏内容，可以自己设计场景，有很多编码，我不了解如何做游戏、如何写游戏、如何做编码，当我深刻了解《DayZ》这些游戏场景就可以看到，只需要基本的知识就可以做游戏，比如JAVA语言等等。当时我和另外一个合伙人运行了一个定制化DayZ模组，大概持续了6-12个月时间，通过听取社区反馈，它最后成为了一个偏向于PVP的游戏，这是我第一次接触和游戏研发相关的东西，我尝试在地图上增加武器刷新点等元素，只是为了让我们的服务器与其他的不同，它更像是一个竞技场游戏，虽然当时的用户量不大，但每一次都可以给玩家带来独特的体验。在脑海中，我希望游戏尽可能设计得非常简单。现实是，我30多岁做游戏，还没赚多少钱，父母非常担心我未来职业生涯。过去15年里，我们看到很多游戏都是以竞技为题材，竞技可以给我们自由度去发挥。 我希望有更加现实的游戏情节，比如以二战作为题材，主要使用传统题材进行更好地呈现。我们希望在《武装突袭3》（ARMA3 Battle Royale） 游戏中进一步拓展，很多同事都深度参与到这个游戏中，让整个游戏具有真实性。吃鸡游戏从整个概念图到游戏创建都非常棒，在早期设计阶段，我们30个同事坐在一起。这是一个非常新的体验。之后我们一些同事给出反馈，说来和我们一起玩这个游戏，有600个游戏玩家参与到游戏测试中，当时每个月都举行会议，把新的想法展现给团队成员。我们希望让早期的游戏玩家给我们反馈，希望游戏尽可能展示人物真实性，设计师和游戏玩家一起互动切磋。一年前我们投放这个游戏，我们内部觉得可以赚钱，第一年500万。60天里收到玩家的反馈，产业的反馈都非常棒，我们卖了很多游戏，已经突破了很多纪录。我们之前30个团队成员，现在有300人，在阿姆斯特丹、韩国和东京，我们有很多同事，已经看到全球性增长。未来发展方向是什么样呢？我希望创造出现实世界，希望能不断添加元素让整个游戏更加真实，必须创建一个平台，能够让整个游戏模式永远存在。我也希望给在座各位一个机会，能够创建你自己的游戏模式，因为我自己就是这样开始的，我也希望在游戏中找到更好的玩家，能让他们使用我们的游戏作为平台创建他们自己的游戏。6，《阿凡达》特效大师Andrew R.jones：核心观点：大片有两点非常重要，一是视觉效果，二是故事情节。如果你视觉效果很好，故事一点不吸引人，电影是一个巨大失败。但是你故事情节非常引人入胜，但是视觉效果乏善可陈，同样也不会吸引观众到电影院去观影。新的《狮子王》会让大家有身临其境感觉。你在看动画片，但不会觉得这是动画片，而是你感觉到看真正的动物，而且由真正的摄像机拍摄出来，这是我们希望可以施展的魔法。演讲摘要：我的职业生涯，有三部大片让我起飞，首先是《泰坦尼克号》，这是一个大片。大片有两点非常重要，一是视觉效果，二是故事情节。如果你视觉效果很好，故事一点不吸引人，电影是一个巨大失败。但是你故事情节非常引人入胜，但是视觉效果乏善可陈，同样也不会吸引观众到电影院去观影。《泰坦尼克号》是我早期作品，我最开始是做动画的，我主要负责《泰坦尼克号》电影当中一些动画，还有一些技术相关工作，做一些建模等等。船模型大小可能跟我们这个舞台差不多。如果通过技术让这艘模型船栩栩如生。这其实是我们视觉效果所起到的作用，那就是施展“魔法”。卡梅隆导演拍摄的《阿凡达》里所使用的技术，是我职业生涯的里程碑。在拍摄《阿凡达》的时候，他一直等待我们技术成熟，可以真正把他心目中效果呈现出来，才开始拍摄《阿凡达》。我们不断地挑战极限，不断地进行尝试。我们当时用了动作捕捉和表演捕捉技术，这非常重要。拍摄当中数字化技术，可以让我们情节更加栩栩如生。 我们可以把女主角脸部的表情精确捕捉下来。可以看到，我们荧屏上的人物像真人一样，每一寸肌肤，动作和表情都非常清晰。比如男女主人公亲吻场景，非常具有挑战性。我们用小的摄像机在现场捕捉演员情况，这给了我们很多信息。它让我们去了解到演员面部到底出现怎样变化，这是我们之前在技术当中不会去了解的。我们确保每一个角色所做的事情、所进行的动作，都能让人们感觉身临其境。《奇幻森林》，是我们把《阿凡达》所应用的技术进一步的应用到《奇幻森林》拍摄当中，包括刚才讲到的表情的捕捉、动作的捕捉，还有一些虚拟场景。随着技术进步越来越快，GPU运算速度越来越快，我们也增加了越来越多的细节，比如说让他们面部更加真实。一个主角在他拍摄现场，他就是这样奔走，但是我们创造了一个森林环境。然后在这个环境当中，在一个完全的数字化环境当中，把这个野兽增加到环境当中。再给大家介绍一个虚拟现实项目。大家可以看到，我们到底怎样尝试与VR联系起来。在设计的时候，你可以看到我们要用一些动画技术，包括一些游戏领域里面，我们希望让人们觉得你不仅是看电影，其实在享受虚拟产品，新的《狮子王》会让大家有身临其境的感觉。你在看动画片，但不会觉得这是动画片，而是你感觉到看真正的动物，而且是由真正的摄像机拍摄出来，这是我们希望可以施展的魔法。板块三：打造时代故事7，《蝙蝠侠》编剧David Goyer核心观点：一个角色，不管是反面角色还是正面角色，他们也是在不断问自己问题。为了能够关注角色，我们必须要和他们产生共鸣。这些让我们的角色更加人性化，更加鲜活。中国有五千年的文明和历史，我们进入一个更加新的，更加繁荣的一个世界。我们正处在这样一个流程当中，我们要不断地思考中国对全球会产生什么样的好的影响。什么样的历史人物或者历史角色，或者哪些爱情故事可以展现给全球的观众，中国这些角色如何能够进一步代表和象征传达的观念。其实我觉得传达观点最好的方式就是故事，我们找到本真的角色，讲述与人产生共鸣一些主题，并且能够探索整个世界，特别是那些我们自己的这个世界，并且如何能够克服我们自己心理，如何能够展示自己。演讲摘要：不管任何题材，让观众产生共鸣让他感觉到永恒，必须让观众深入到连接到一起。有时候尽管故事当中的情节和生活的环境不在同一个地点，同一个背景，但是我们要有这种共鸣。可能很多人为人父母了，大家有没有一些梦想呢？有没有遗憾的时刻，非常窘迫的体验，反复想到这一刻。敌人？坦白来说所有人都有合不来的一些人，在我们人生当中都会有各种各样一些角色，有些时候我们很多人有隔阂，有相爱过，或者现在男女朋友。和大家一样，一个角色，不管是一个反面角色，还是正面角色，他们也是在不断地问自己同样的问题。为了能够关注一个角色，我们必须要和他们产生共鸣，大家如何能够和一个超级英雄产生共鸣，或者在另外一个星球，或者另外一个世界出生的人产生共鸣，问自己，你的角色需要什么，产生什么，需要爱，需要能够有尊重，希望有报酬，有他们的优劣，但是有他们的恐惧，但是这些让我们的角色更加人性化，首先写出这些角色，勾勒背景故事，然后给了这些特点和特色是什么。如何让他们更加鲜活。15年前诺兰和我重新塑造《蝙蝠侠》这部电影时，已经是二十一世纪了，《蝙蝠侠》不适合那个时代了，我们需要重塑一下蝙蝠侠这个形象。整个世界变得更加复杂，所以我们决定让蝙蝠侠更加现代，让观影群众联系在一起。每个人在世界上都有爸爸，布鲁斯的爸爸负责创建他们的家园，最后他的爸爸被杀了，之后陷入到非常希望报仇的情节当中，他希望给父亲报仇，希望重塑整个城市。这就是故事的一些情节，他的两个需求紧密到联系在一起，他自己内心充满了恐惧。此外很多人都说，你要展示英雄恐惧的一面。我们可以看到布鲁斯害怕蝙蝠，我们融入到蝙蝠侠当中，我和诺兰进一步思考，这个故事要和他的父亲联系在一起，我们设计一个反面人物，我们也选择了一个布鲁斯非常需要一个养父。但是坚信这个世界出了问题，袭击这个城市，蝙蝠侠汤姆塑造的城市破坏掉，才能够进一步拯救这个城市。我们可以看到，假设在这个场景当中，进一步重塑我们对我们生父的记忆，进一步打败他现有的养父，可能观众知道，蝙蝠侠应该选择什么样的正确决定。但是对于布鲁斯这样一个人物需要做出这样一个决定，让蝙蝠侠面对现实生活当中进退两难的情况，我们现在处在二十一世纪，很多观众和现实的背景产生了共鸣。我们通过阅读《超人》原著版本和漫画书，为新的《蝙蝠侠》做了一个终点。我们在阅读原著这些漫画版本的时候，看到了外星人，在现实生活当中，我们在人类历史上，也看到了很多人具有超能力。在之前的《超人》电影当中，超人其实是来自外星球的外星人，我们主要关注的内容，是在于《超人》故事是一个移民的故事，他的故事是我们自己人类和星球当中没有看到这个人物，而他的使命让世界变得更加美好。所以我们就来自一个不同的背景，超人肯定在整个世界上非常强大一个角色，拯救人的生命，拯救这个星球。但是他是一个外星人，正是因为他是外星人，他非常的孤立，他非常孤独，不管多么优秀，他总是与众不同。反过来，很难在《蝙蝠侠》在孩子的时候确定他的角色，因为他跟超人不一样，但是他们面临孤独感是非常类似的。所以我在读《超人》漫画书时，进一步思考，这样一种被孤立的状态演化到什么样的结果，可能会愤怒，可能面临很多的挑战。在2009年的时候我与家人团聚了，当时我要写这部新的《超人》电影，在那个月里有了自己的孩子，所以我在写《蝙蝠侠》的时候，以及在我写《钢铁侠》的时候，进一步联想到我自己和父亲的关系。最后总结一下，好的故事情节，人物和现实当中建立共鸣和联系，不管是超级英雄，不是反派人物，还是龙等等各种角色，必须要与人的共鸣。哪怕人类的瑕疵点体现在角色上，因为人类的瑕疵点才能够让我们成为人类，这样才能够跟这些角色产生共鸣。8，偶像剧制作人：柴智屏核心观点：本来我认为重拍《流星花园》是一件毫无挑战也毫无意义的事情，但中间还是产生了很多变化。我自己也重温这部剧在这么多年给我的一切，它给了我太多启发。我面临过一个问题，有知名度的演员可以给我半年档期吗？回答是不可能，他们能给你100天就不错了。这个答案让我很担心，100天有时间读剧本吗？有时间跟演员进入角色吗？有时间培养感情吗？这跟我以往拍片的习惯不太一样，在当下我必须很挣扎做一个选择。演讲摘要：我在2001年有机会制作我人生中第一部戏剧作品《流星花园》，那时它红遍了亚洲20个地区。当时造成一个风潮，影视媒体给了我“偶像剧之母”等等一系列的封号。有媒体说柴智屏女士以最具创意跟创新的手法改变了戏剧的形式以及市场的生态。我不太明白自己怎样成功的？一直想找答案。后来我在纽约旅行，在现代艺术博物馆仿佛得到了一个答案。我看到了一位画家叫做马克o罗斯科的画作，他的一个画作上面写着《无题-黄与蓝》。当时我在博物馆对着这幅画看了很久，我在想这是我在小学时应该可以画一模一样的画，为什么这幅画可以放在现代艺术博物馆并且拍得几亿美元的高价呢？我看了它的简介，它是抽象表现主义的典范，透过绘画，感受到自我的情绪与内在的声音。这让我突然了解，只要你在属于你自己的时代里面，即便后人看这只是再简单不过的事情，如果你是第一个提出这个理论或者是第一个去实践成功的人，你可能会在你自己的领域里面得到一份别人的认可。我想那时候才真正意识到我自己到底是怎么样的一个存在。后来从《流星花园》、《转角遇到爱》到电影《那些年我们一起追的女孩》，还有《小时代》等等这些影视作品，这十几年来，我不停被人家重复地问着：柴老师你是怎么样制作出这么多受年轻人喜欢的作品？你如何能够了解年轻人到底喜欢什么？最重要的事情跟大家分享：除掉认真、努力、专业、敬业之外，相信在座每一个人都知道，心态是非常重要的。最近重拍《流星花园》，本来觉得再来做一次，是一件毫无挑战也毫无意义的事情。后来我调整了一下自己的心态，把自己想象成一个我，现在穿越到16年前第一次制作戏剧的我，回到那个初心，回到最原始，什么事情都不了解，什么经验都没有的自己。中间到底产生了什么样的变化呢？从表面上看，在台湾制作费以前是一集20万人民币，现在是300万人民币。虽然消费变高了，可是为证明这个数字在市场的规格不可同日而语。比如当年F4平均身高1.80米，现在至少是1.85米，虽然身高增加了体重没有增加，证明当年年轻人肌肉比较有分量一点；以前的杉菜（大S）在真实世界是搞怪、无厘头出道的美少女明星，现在的杉菜是曾经在电视台做过剪接工作看似平凡的实习生。以前内容是以贫富差距作为整部剧的趣味及重点，现在偏向于来自年轻人冲突、背景、思想碰撞的差距。我在重新制作这部剧的同时，我自己也重温这部剧在这么多年给我的一切，它给了我太多启发，人生中有太多事情是不能重来的，即便重来也会因为时空的不同有不一样的结果。结果是重要的吗？相信多数人包括我自己，会说说结果当然重要，没有人喜欢失败，每个人都渴望成功，可是成功的背后到底是什么。这么多年来，我听过最多的陌生人或者是粉丝跟我说的话都是：“柴老师我是看着你的戏长大的”，后来时间久了会慢慢出现：“柴老师我太太是你的粉丝”，然后渐渐又听到很多年轻人说：“柴老师，我妈妈说她以前都看你的戏”。我知道岁月一直在走，时间一直在走，我们都在成长，可是我突然有一种很奇妙温暖的感受，我开始有一种，如果我可以陪着每一个年代的18岁的年轻人一起成长，那该有多好！因此我就开始热爱着跟年轻人聊天，聊他们的生活、聊他们的爱情，喜欢什么，不喜欢什么，梦想是什么，人生目标是什么。最后发现不管哪一个时代的18岁，在他们的世界里面，对于爱情、对于友情、对于未来的梦想，对于如何跟世界融合去接轨，常常陷于茫然与疑虑，缺乏自信，没有办法坚定，跌跌撞撞反反复复寻找着自我的价值与信念。我感受到在这样的青春里面这个世界是这么迷人，因此我就想，我很想要跟每个年代的18岁的年轻人站在一起。去年，我在寻找《流星花园》合作的平台和发行商的时候，我听到千篇一律地说着，告诉我怎么样能够制作一部戏，说要找一个平台认可的导演，要找到一两个知名度能够带动流量跟高知名度的演员，最好身上有很多代言可以降低投入的风险。我当下面临一个问题，有知名度的演员可以给我半年的档期吗？回答是不可能，他们能给你100天就不错了。这个答案让我蛮讶异的，我很担心，我要拍摄50集的戏剧作品，100天有时间读本吗？有时间跟演员进入角色吗？有时间培养感情吗？这跟我以往拍片的习惯不太一样，在当下我必须很挣扎做一个选择。我要遵循发行人、出品商给我的建议，还是我要做以往我必须要做的工作经验。我是要愿意全新投入剧组，没有演技无妨，没有经验无碍，我要建立一个环境，剧中的人物就是他们自己，他们不是演出来的，他们是真真实实活在戏里，彼此间的关系是真的，彼此的情感是真的，即便没有剧本他们也知道自己该做什么样的情感的反映。我想现在的互联网的时代的来临，选择变得很多，观众的喜好也更加分歧，一般群众对于影视作品的要求也越来越高。他们对于剧情的铺排、演员的演技、造型的设计，甚至临时演员站错位置他们可以出来发表意见。在这个意见可以立即互动的时代，我们给观众看的作品，已经不是给观众看什么他们就接受的时代了。现在不管我们称之为偶像剧或都市情感剧，对我来讲身为一个制片人或一个总导演，非常困难的一件事情是，我不止是怎么样制作出高规格、高技术含量的戏剧，而是很困难的是，当观众看待你这部戏这部作品会相信一切如此真实，仿佛剧中的演员就是你自己，或是你身边的人，不管你想亲近的、想逃离的，你都可以在里面找到生活的影子。以前我碰到的媒体朋友都会问我：“柴老师你制作的戏剧都是童话，你如何看待真实的世界？”我回答，它是真实的世界，只要你愿意打开心房，幸福怎么会是童话呢？我看到媒体朋友对这件事的质疑，我想真实和童话怎么样拉近距离？很多人说真实世界就是残酷的，比方说我的家人不支持我的梦想，我的工作总是被老板否定，我的感情总是得不到幸福，我总是赚不够钱去买房子……，每个人都有说不完的人生的抱怨。我想道歉有用的话要警察干吗？如果人生可以后悔的话应该就不会有遗憾，如果人生没有遗憾的话一定是很无趣的人生，我们不是希望在戏剧中把每一个人发生的事情，希望投入戏剧能够思考和选择吗？现在的新文创时代，每一分钟都在打造与大众不断互动交流的世界观，身为创作者、创意人，我回想自己经历的一切，每一分每一秒的耕耘，每一个走过的地方，每一首听过动人的歌曲，每一个跟你交汇的人都会是创作的养分。因为时时刻刻我们都在提醒自己不要浪费一分一秒，认真感受生命中每一个发生的事情，不管痛苦、愤怒、喜悦，是沮丧还是希望，只要发生了就可以让你的生命更有意义，更勇敢地往前迈进。刚刚看到很多业界的精英人士、专业人士，带给我们很多他们创作的过程，也有很多动漫产生的很棒的作品。很多时候我们分不清楚虚拟世界真实世界在发生的过程中到底给我们什么样的感受。我相信在虚拟与真实无法分辨的年代里，形式不是最重要的，内心的美好一定会呈现在创作者的作品中，就像前面那么多的精英跟前辈。9，《美国队长》及《蝙蝠侠》制作人：Michael E.Uslan核心观点：整个世界正在变化，每个月都会有新鲜的技术出炉。观众是不同的更加多元化的群体，可以使用内容和最好的技术结合到一起，让不同的文化更紧密地联系到一起。我们的挑战是如何能够制作出全球的内容，可以让这个内容被全球各个国家所接受，有些时候是可以的，但是更多情况下很难。可以创建一个有利的经商环境，让前瞻性的，像腾讯这样远见卓识的公司能够齐聚一堂，并且取得更好的进步。如果有些人不愿意或者不敢把内容进一步往前推新的话，那么就会面临问题。因为很多人会回顾过去，并且不太敢把好的内容推向全球。我们要从故事作为源头，寻找最好的创作，最好的IP。在中国有五千年的灿烂文化，我们可以汲取这些好的素材，展现给世界。很多公司在虚拟现实和增强现实上非常努力，还有创业企业正在研究VR和AR，不管美国和中国，还是亚洲、澳洲、日本，很多公司专注于这方面的研究。演讲摘要：整个世界正在变化，速度闪电般的快，每个月都会有新鲜的技术出炉，这些全新的技术也在不断地整合，这是振奋人心的。第一个问题，你觉得技术更重要吗？还是说，内容本身更重要。对于我而言内容为王，内容更重要，在我们的国家，在我们的文化，在全球是如何制作内容的呢？我们主要的责任是什么？观众是不同的，男性、女性，更加多元化的群体，我们不能够就通过我们选择的内容满足所有观众的需求，但是我们可以使用我们的内容，更加能够包容化，让整个不同的文化更紧密地联系到一起。我们生活在一个多元化的世界里，我来自一个非常多元化的国家，我们所到之处都听到，人们在说我们有多么的不同，我们要一直考虑到人们的不同之处，但是通过流行文化、电影、电视、流量、动画、手游，可以帮助我们实现目标。但是我们真正的挑战是如何能够制作出全球的内容，可以让这个内容被全球各个国家所接受，中国的观众喜欢，美国的观众喜欢，以及所有国家都喜欢。现在好莱坞的系统能够实现这个目标吗？有些时候是可以的，但是更多情况下很难。为什么不能够把电影制片人、作家、导演还有那些演员、分销商、推广者整合到一起呢？让他们齐聚一堂，来共同分享，并且一起努力实现目标。好莱坞无法指挥其它的文化，好莱坞不能够把整个对中国来说更本真的内容研究出来，展现给中国，或者其它国家关注的内容展现给其它国家。我们一起通力合作，可以作为很好的合作伙伴，从内容到后期的制作和分销一起来合作，我们可以找到一条共同的道路，让电影和很多其它的内容可以跨越文化和跨越国界。可以创建一个有利的经商环境，让前瞻性的，像腾讯这样远见卓识的公司能够齐聚一堂，能够勇敢的跨越边界，并且取得更好的进步。有些人不愿意或者不敢把内容进一步往前推新，我们就会面临问题。因为很多人会回顾过去，并且不太敢把好的内容推向全球。我们要目光久远，我们希望能够通过这种企业家精神，能够更多的探索，更好的推陈出新。为了更好的秉承这种精神，我们都知道，成功的原因就是要突破自己，强迫自己走出自己的舒适区。要从故事作为源头，寻找最好的创作，最好的IP，或者说最棒的IP。如何找到好的故事呢？其实在所有的国家，在所有不同的文化，或者说在我们的童话故事里，历史里有好的素材。在美国有240多年的历史，可以把这个历史展现给全球，在中国有五千年的灿烂文化，我们也可以汲取这些好的素材，展现给世界。中国有很多超级英雄，在中国我们有自己独特的方法来展现我们的故事，我们有自己创作和设计的一个愿景，现在全世界需要中国的超级英雄角色，我们也希望听到中国超级英雄的完美故事。不管是现在，比如说像中国龙的文化，如何来打破攻克恶魔等等，这是中国历史人物素材，我们需要中国的文化，需要中国传统历史当中融入我们现实生活当中，不仅只有孙悟空、《西游记》的题材，中国过去五千多年的历史文化当中，我们有很多非常棒的故事和中国的角色可以展现到荧屏上，展现到世界。之前所提到的新技术，也正在突飞猛进，我们也看到虚拟现实，也就是VR和另外一个增强现实AR，他们会带来更多的前景，也给我们带来更多的影响。很多公司在虚拟现实和增强现实上非常努力，还有创业企业正在研究VR和AR，不管美国和中国，还是亚洲、澳洲、日本，很多公司专注于这方面的研究，未来五年AR和VR正式的生根发芽，可能80%的公司不在存在了。我相信在中国，或者在美国，或者说在德国，或者在斐济总会有一个年轻的斯皮尔伯格，它会在概念上有效的把视觉产品带入到台前。我们要通力合作，要紧密的技术合作，我们知道每个文化里有优秀的IP，我们有能力建立一个全球的连锁，能够让好的角色，好的故事展现给全球，我们有机会能够把更多元化的人物角色整合到整个全球观影面前。这会帮助我们创建一种纽带，能够把我们作为人类的大家庭整合到一起，我们需要强调教育，以及相关的培训，还有导师制，能够取得成功。让我们一起合作，创建一个优秀的循环。板块四：文化传承10，《古董局中局》作者：马伯庸核心观点：创意并不是处于第一步，在创意之前还要有足够多的素材，在这个浮躁没有耐心的时代，怎么读枯燥的素材？中国古代文人苏轼（苏东坡）有着一种很好的读书方法，每次阅读时要给自己设一个任务，反复读下来之后，有明确的方向，知道解决问题，效率非常高。现在这个时代接触的信息量太大，每天有无数资料进来，接触专业学科知识比以前容易，可以通过好的搜索引擎搜索，可以去网站上下论文，甚至有简便的方式可以联系专业学者请教他们。这种情况下，第一，资料太多会导致在整个信息库里迷失，第二，能让你接触到以前意想不到的领域，在这种情况下苏轼读书法更加弥足珍贵，它给你指一个方向、指了一条路，你只要沿着这条路在大量信息库里找，就可以找到自己想要的东西，就可以翻得到好的创意，以及把创意做成好的作品的动力。演讲摘要：我们应该怎样做有创意的内容？为什么我们做的内容没有创意？创意是自然而生的东西，它不需要我们认真去思考或者说去碰撞。很多人认为一个好的内容首先有创意，然后把创意实现到作品里。这个流程是对的，但少说了一步，这步是在创意之前还要有足够多的素材，不代表读足够多的书就有创意，但好的创意一定背后有深厚的阅读及搜集资料的过程。《纸牌屋》、《阿凡达》、《流星花园》这样的IP，它们背后一定有几何数量的素材支撑。阿凡达需要去读大量生物学、环境学、历史、大量美学的资料，由素材这个土壤慢慢培养，可以培养出好的灵感，再由灵感上升到创作的过程中去，这个次序不能颠倒，没有任何一个灵感凭空出现，每一个灵感背后一定有巨大的素材支撑、提供。我们怎么样搜集素材、怎样阅读？这个时代大家很浮躁没有耐心读很多东西，很多素材本身确实特别枯燥，不那么容易读。当我们每次问到怎样产生创意时，不妨把这个问题换一下，应该问的是：我们应该怎样有效率地阅读资料，从中产生创意？中国古代文人苏轼（苏东坡）读历史的方式对现在的创意同样还有很大的意义。“书富如入海,百货皆有之,人之精力,不能兼收并取,但得其所欲求者尔。”这句话意思是现在书籍资料像大海一样，这么多的东西像大海里隐藏着无数的宝藏，我们的人生是有限的，要把有限的人生投入到无限的阅读中，为了不让自己迷失方向，有效率吸收这些内容，我们需要做的是“但得其所欲求者耳，故愿学者每次作一意求之”每次阅读时要给自己设一个任务，如果你不知道你要去哪一个港口，每一阵风对你都是逆风，苏轼说的就是这个道理。苏轼说“故愿学者每次作一意求之”，愿意学习的人读资料每次都盯准一个点，“但得其所欲求者尔”，第一次读书要读关于古代的兴亡之士政治上的层面，第二遍读书再关心这里的圣贤，历史人物在当中发生的作用。反复读下来之后，有明确的方向，知道解决问题，读书时有明确的解决方案，这个读书效率非常高。我写《长安十二时辰》里面涉及大量唐代108坊，我找了一本书，它是考证数据，每一坊里有什么东西，单纯看这本书非常无聊，我曾经把这本书看了几页睡着了，只是随便看，没有任务的看、没有目标的看非常让人疲惫，别说产生创意，读都读不下去。好的创意、好的内容永远不是家里喝二两酒坐在炕头上憋出来的，一定是反复看各种各样的资料、反复看各种各样内容，带着目的、任务、需求看，能看到完全崭新不同的世界。现在这个时候比以前好也不好，我们接触的信息量太大，每天有无数资料进来，我们接触专业学科知识比以前容易，我们可以通过好的搜索引擎搜索，可以去网站上下论文，甚至有简便的方式可以联系专业学者请教他们。这种情况下，第一，资料太多会导致你在整个信息库里迷失，第二，能让你接触到以前意想不到的领域，在这种情况下苏轼读书法更加弥足珍贵，它给你指一个方向、指了一条路，你只要沿着这条路在大量信息库里找，就可以找到自己想要的东西，就可以翻得到好的创意，以及把创意做成好的作品的动力。11，知名作词人：方文山核心观点：文化是某一个特定族群在一个自然的地理环境下世代共同生活所累积出来一个相同的价值观、生活习惯以及族群归属感跟信仰的认同。总得来说，一个民族的社会共同价值观的总和可以称之为文化，是翻译间流失的东西。文化表现出来的形式，首先是建筑，建筑是城市的名片，传统建筑是城市的文化名片；第二个是服饰，汉服的文化识别度很高；第三个是文字，汉字是超时空、超地域、超方言的文字系统，是中国人的灵魂。互联网时代对传统文化是有推动力的，互联网时代到来，等同于第三次工业革命，不特定的地点，不特定的空间，立即的传播性对于传统文化的传播非常重要。以前传统文化推广，只是一个点的影响力，互联网可以做到面。互联网的时代，对于传统文化的推广力是效益惊人，而且影响的层面非常广泛。演讲摘要：大家对我所创作的歌词作品印象最深刻，或者最容易引起讨论的是“中国风”创作。我创作至今大约有五百首的歌词作品，所谓中国风的歌曲大概占了总创作量六分之一。但是为什么大家比较关注这六分之一的中国风创作呢？那是因为这些作品有着浓郁的文化识别度，正如一开始播放的《天涯过客》，影视画面和调性很具有中国的文化识别度。这样的文化识别度与其它流行音乐区隔开来的特征很明显，这个特征可以理解成风格，这样的风格占整体音乐百分比其实不高，这样反而受到关注和讨论。什么是文化识别度呢？首先我们应该先来论述什么是文化？文化就是某一个特定族群在一个自然的地理环境下世代共同生活所累积出来一个相同的价值观、生活习惯以及族群归属感跟信仰的认同。这些表现出来的形式是什么？有语言、文字、饮食、服装、节庆、建筑、信仰跟艺术。这里面分的很细，艺术里面分文学、戏剧、音乐、舞蹈、绘画、雕塑、建筑、电影，我们可以总得来说，一个民族它的社会共同价值观的总和可以称之为文化，如果说以文学的领域缩小范围来讲，我们可以用言简意赅的说，文化就是翻译间流失的东西。面临某一个具备文化符号属性的事物，不需要特别的文字去说明，不需要言语去解释，一般生活经验值里面就可以判断出这是什么文化属性的东西，这个就叫识别度。这些识别度有哪些呢？其实非常多，有时候走在街上听到这个人在讲广东话，在讲韩国话。服饰、建筑、节庆跟艺术，这些文化表现形式透过影视，透过互联网视频会知道，这是文化符号性很强的事物，不需要他人旁人给你解释，就具备一定的识别度。我跟大家分享三个文化形式表现出来的形式，第一个是建筑，第二个服饰，第三个文字。首先是建筑，建筑是城市的名片，传统建筑是城市的文化名片。阴雨江南，徽派建筑，这里不需要说明文化识别度很高。闽南式建筑、平遥古城、日本的天守阁、哥德式教堂、中国式建筑、布拉格的建筑、德国新天鹅堡。中国传统文化的建筑追求的美学调性，认知差异非常大，因为中国的一种美学是追求天地协调的水平美、对称美跟中轴线。每个民族有自己的美学，都有自己的文化土壤，这是世界多元化的意义，丰富了彼此我们的生活。第二个是服饰。我之所以不断创造中国风的作品，其实来自于中华文化的认同感跟归属感。除了我创作中国风的歌词之外，我跟一些对这些有爱好的同好在浙江西塘连续办了五届的汉服节，今年是第六届。汉服这个传统领域相较于中国功夫、书法、中医、京剧、古筝这些传统乐器，它比较偏冷门，比较不会为人所关注。华夏汉服，其实所有的汉服不是汉代的衣服，是汉民族的传统衣服，它的特征交领右衽细带宽袍，这样子一个服饰文化识别度很高，和服、韩服也受它的影响。第三个是文字，这是三个领域最感兴趣的部分。对于我而言，文字是文明的开始，文字可以承载知识的传递，跟族群间彼此的沟通。汉字相较于其它的文字系统，它除了独具一格文化识别度，有一个千古不移的特性，它是超时空、超地域、超方言的文字系统。如果说文字是一个民族文化上的根，汉字可能就是中国人的灵魂。一块两千年前的石碑在中国出土，中学生就看得懂。基本上全世界只有汉字有这个魅力，超时空、超地域、超方言。因为两千年前有文字民族和国家不多，汉字的字形字意千古不变，文化识别度非常高。互联网时代到来，等同于第三次工业革命，互联网不特定的地点，不特定的空间，立即的传播性在这个时空背景，对于传统文化的传播非常重要。以前传统的文化的推广，一个古琴的展览，或者京剧的演出，只是一个点的影响力。互联网可以做到面，它的优势没有任何载体可以比肩，可以取代。互联网的时代，对于传统文化的推广力是效益惊人，而且影响的层面非常的广泛。平台没问题，有问题只是内容。所以如何善用互联网，用任何的包装、行销去促进一个传统文化的推广，我觉得这是最大的议题。我认为传统文化都可以用通俗的方法获得通俗的影响力，最佳的平台就是互联网。
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责任编辑：erlonggong
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